viernes, 3 de marzo de 2017

"NAISSOVIBE" de ALAIN GIROUX. NUEVA INCORPORACION,




Naissovibe-048-2015. Con la venta esta misma semana de esta obra de 183x122 cm. de la serie "Naissovibe", por una nada despreciable cifra, os presentamos a nuestra nueva incorporación canadiense, de Montreal, Alain Giroux.


Lienzos de diferentes tamaños y pintura acrílica, muchos botes, muchos colores y alguna brocha o pincel; con estos simples materiales nos presenta este artista americano, en Portugal, España y la Europa cercana a nosotros, su colección de pinturas "Naissovibe". Este es ya el tercer año que el artista se atreve con esta serie, serie que el artista no quiere poner muchos apellidos y prefiere que simplemente le llamenos pintura "abstracta".

En principio vamos a contar aquí con 20 obras en 4 tamaños diferentes que espero podamos disfrutar en muchas galerías, muchas exposiciones y todas acaben en algunas viviendas colgadas de las paredes y que las personas podamos disfrutar de sus colores y sus formas.



Alain se presenta a sí mismo de la siguiente manera: "Soy un artista multidisciplinar de Montreal (Canada) y mi trabajo diario discurre entre la pintura, la música electrónica y el diseño gráfico. He creado estas pinturas de una manera autodidacta usando simplemente acrílicos y lienzos y creando mi propia técnica. Estoy fascinado con los sentimientos y emociones que vibran dentro de cada uno de nosotros y encuentro que las pinturas abstractas definen bien la simplicidad y complejidad de esta exploración interior.

Mi enfoque consiste en crear arte con diferentes paletas de colores para ver cómo me siento personalmente con cada pieza, así como para compartirlas con otras personas y ver cómo se sienten ellas también. Normalmente ambas partes podemos conectar con la obra, sentimos fuertes conexiones con ella y tratamos de explicar con palabras esos sentimientos y esas emociones.

Todas mis obras de arte tienen distintas vibraciones, llenas de texturas y paisajes y representadas de una manera muy colorida".

No intentéis buscar el significado de la palabra "Naissovibe", no la vais a encontrar. Quizá si vais conociendo al artista cada vez más y sintiendo sus pinturas, todas esas vibraciones y emociones, logréis saber de dónde viene; Naissovibe es una palabra inventada por el propio artista.






EXPOSICION "EPIFANIA" de MASTUSET en DONOSTI

Desde ayer a las 19.30 y hasta el próximo día 18 de marzo, la magnífica galería VetusArt de Donosti, acoge la primera exposición en territorio nacional de la serie "Epifanía" del artista catalán Mastuset.



VETUSART (Hernani, 21 - Donostiaofrece a sus clientes un entorno distinguido y moderno. Un espacio atemporal donde manifestar que, con buen gusto y criterio de selección, las mejores piezas antiguas fusionan bellamente con obra actual y espacios vanguardistas. VETUS es un nuevo ambiente de arte en Donosti donde conectan vanguardia y antigüedad. Profesionalidad, discreción, vanguardia, gusto y lujo son los principios que mejor definen a esta galería. Siempre abiertos a cualquier propuesta por parte de artistas y particulares.





Mastuset (Linyola, 1954) es conocido por sus pinturas de cierto carácter escultórico y su técnica de óleo sobre cobre. Su obra adquiere una fuerza especial a través de la experimentación de los materiales. Planchas de cobre, lonas de grandes dimensiones, pintura al óleo ó esmalte metálico, podemos encontrar en sus obras. Mastuset sigue profundizando en el tema espiritual, inspirándose muchas veces en el concepto de la emanación creadora de Plotino.
“Epifanía” es una serie de fotografías únicas que surgen de la comunión del artista Mastuset con la naturaleza salvaje de Nueva Zelanda, el siempre poderoso mar, la fuerza del viento y una arena muy especial de una de sus numerosas playas. Las obras son únicas, sin copias ni series, una colección de fotografías en 3 tamaños distintas a otras fotografías que podemos ver. Todas ellas montadas a capricho por el propio artista en metacrilato y con bastidor de aluminio.
Las fotos, realizadas en una playa de Nueva Zelanda, son movimiento pero, sobre todo, son una muestra de la inmanencia divina y de su manifestación. Mastuset se presenta a sí mismo a través de esta obra con una rotundidad humilde que se plasma en obras que toman la apariencia de una pintura abstracta y que son el resultado de la entrega en el proceso de fotografiar el instante dibujado en la arena. Las obras vibran con energía al tiempo que representan el sonido ordenado, armonioso, capaz de evocar la perfección de la creación, su riqueza infinita de posibilidades, de transformaciones aparentemente aleatorias y caóticas y, sin embargo, perfectas en su diseño. Representaciones que se revelan como un desgarro en el tejido de la verdad.
El artista nos lo narra así: “En una playa de New Zealand, sólo en una y te garantizo que he visto más del 80% de las playas, pude comprobar que la arena y el mar hacían unas formas que me recordaban en cierto modo, a mis pinturas. Me sorprendió de tal modo que me puse a “jugar” con la arena. Vi como las olas del mar hacían y deshacían maravillosas imágenes, algo realmente increíble. Descubrí que poniendo algo de mi parte y junto con el mar, la arena y el azar, se producían unas obras efímeras que debía de capturarlas con mucha rapidez porque la duración de la mismas era de segundos y además jamás se volverían a repetir. Así me puse a capturarlas fotográficamente. El resultado unas mil fotos de las cuales más de trescientas son fantásticas, verdaderas obras de arte.”
Esta colección ya ha visto su presentación en sociedad en Italia, en Nápoles, en el museo de Arte Contemporáneo CAM Casoria, así como en Art-Innsbruck. Ahora podemos disfrutar de ella en VETUS hasta el día 18, de lunes a sábado de 10.30 a 13.30 y de 16.00 a 20.00.



Ayer durante la inauguración nos acercamos a Mastuset y le hicimos unas preguntas sobre la exposición y su obra:
- ¿Qué es lo que vemos en tu serie de fotografías?
R - "Vemos un destello de la inteligencia Cósmica, una pequeña señal, una revelación... yo prefiero llamarle Epifanía. vemos un universo oculto ante nuestros ojos y que se nos revela."

P - ¿Dónde han sido realizadas?

R - "En una playa de Nueva Zelanda, en una playa desértica, de difícil acceso, de una belleza singular. He realizado dos viajes a Nueva Zelanda, con una permanencia de cuatro meses, he recorrido la mayor parte de su geografía y el primer año que pisé esta playa ya me emocionó, quedé preso de su belleza única, con un cielo inmenso. El segundo año tuve la necesidad de volver a ver y de sentir esa playa, fue entonces, quizá como compensación de mi vuelta, que se me reveló en su plenitud. El mar, la brisa y la arena me mostraron unas imágenes muy especiales y parecía que querían llamar mi atención, parecían decirme "juega con nosotros" y sí, me puse a jugar. Aparecían y desaparecían imágenes en cuestión de segundos. Pensé que aquella Epifanía tenía que mostrarla, que tenía que compartirla".

P - El viaje tenía como propósito expreso....

R - "No hago viajes fotográficos, amo la naturaleza y procuro ir a sitios donde aún se pueda contemplar con el máximo esplendor. Nueva Zelanda es maravillosa".

P - ¿A qué hace referencia el título de la serie y de las obras?


R - "Epifanía es el nombre más adecuado que he encontrado y el que más se ajusta a estas imágenes, es la revelación de la Divinidad Creadora, de una inteligencia cósmica que nos desborda y que somos incapaces de comprender. Vivimos sumergidos en la tecnología y la ciencia, parece que no hay espacio para la Divinidad, hay dos lecturas de la creación,  por un lado nos encontramos los que dicen que todo es por un cúmulo de coincidencias, por el azar, la casualidad, no hay espacio para la Divinidad Creadora. En el otro lado nos encontramos los que creemos en una voluntad, en una inteligencia Creadora, en definitiva en algo que no podemos comprender pero que la intuimos. Nos encontramos en una sociedad en la que hay demasiados prejuicios sobre creer en un Creador".

P - Esta exposición ha sido ya presentada en Italia y en Austria, háblanos de su acogida.

R - "Sí, esta exposición ha sido presentada en Nápoles en el Museo de Arte Contemporáneo de Casoria y en Innsbruck y si tuviera que definir su acogida en una sola palabra diría incredulidad. Es difícil de creer que estas bellas imágenes se hayan producido solas, sin manipulación alguna y que sean tan diferentes, en composición, tonos de color, en profundidad, en  relieves... Estamos acostumbrados a que todo ha de pasar por el Photoshop. Una vez aceptado que el artista sólo ha captado el momento mágico y fugaz, las expresiones que siguen son las de maravillosas, fantásticas, wow.... Me he sentido muy emocionado de ver la reacción de la gente. También he de decir que las ventas fueron buenas, les gusta la idea de poder tener en exclusiva la imagen de un momento mágico que ya no volverá a producirse. Solo he realizado una copia por imagen, quiero que sea irrepetible como el instante en que se produjo".

P - ¿Habrá una segunda parte de esta serie?

R - "Espero volver a Nueva Zelanda este invierno y volver a esta playa para captar nuevas imágenes y poder mostrarlas. He de decir que no siempre sucede, había días que no aparecían las imágenes, es todo muy sorprendente".

P - ¿En qué estas trabajando ahora?

R - "Tengo la mente ocupada en este proyecto y en poder mostrarlo en diferentes lugares, en este momento se está cerrando una exposición en Finlandia. No quiero empezar algo nuevo que me apartaría de este proyecto".



viernes, 20 de enero de 2017

ART REVEAL: ENTREVISTA a ALMUDENA BLANCO

When, how and why started your art practice?


I started to paint in the fall of 2011. I was living in San Francisco (California) by then, and after a couple of years of working in creative projects through the use of drawings and sculptures, I decided to take painting classes at the university. I was working at that time as TV correspondent in the USA for a Spanish television. It had been already a long time of dissatisfaction because of what I was doing to earn a living, as well as a sense of emptiness because I was not confronting my desire to make art my main activity. So finally it happened. I could not avoid it. After taking those painting courses at UC Berkeley I have not stopped painting.


What is your creative process like?


I mentally play with two or three ideas for months. Typically they turn out to be concepts related to human behavior (people’s true expression, fears, attitudes). Soon these concepts start to find an answer through a esthetic representation: I play with canvases and colors in my mind before actually going to my studio. Then I start painting and the physical process comes along with this mental, visual act of my mind that stays with me till I finish the painting or the group of paintings that I need to make in order to find the right answer. The whole process is about reflecting and acting. It is magic.

In your opinion, what does art mean in contemporary culture?


Art means everything in our contemporary visual culture. Art does happen to be the structure where design, fashion and advertisement lean on. That means that any visual aspect of our culture finds its root in painting, photography, art installations, performances and video art. Their very own ways to use color, composition and movement end to be the base of our contemporary esthetic.

Name three artists you admire.

Cy Twombly, Georg Baselitz, Isa Genzken.

How would you describe the art scene in your area?


I am now living and working in Bilbao (Basque Country, Spain). This area is welknown for its tradition in sculpture. Artists as Eduardo Chillida and Jorge Oteiza were born here, and you can tell that still the main contemporary manifestations of art in this region happen around sculpture. This is good and bad. The good part is the high quality standard of these art references. The bad part, however, is that young artists in the area may be avoiding to look abroad more, to the international art scene. Fortunately, the Guggenheim Museum works out as an antidote for that. This institution has meant a lot in the openness of the city to the rest of world: the art scene now knows where Bilbao is, and also people here knows there is more art taking place abroad and that it is worth it to look at.

What advice can you give to those who are just starting out in the arts?


I encourage them to be real, to try the authentic without fear. I believe that is the only way to build an art career that makes sense, as well as, the only way to really grow up while making art. Actually there is nothing to lose and a lot to win with this attitude, although our more conservative and protective subconscious structures sometimes tend to place us in a different scenario. It is difficult to sell pieces of art so it happens very often that artists are more focussed in making something trendy and likeable than real. I personally think that that is a mistake. That may turn them just into “cool things” creators more than into creators of knowledge.


What are your future plans?



I am now focused in my new series of paintings. I am working in the analysis of “less as enough”. Playing with the use of different materials, as well as with the reference in my paintings to elements coming from different art movements, I am trying to say everything it is needed to be said without going too far in the expression, neither stay short. I am also exploring through these pieces the work in big format canvases. These works will be also used to attend to my future exhibitions in Venice, Basel and NY, this year.

domingo, 8 de enero de 2017

FRANCIS BACON DICE ADIÓS A BILBAO por Almudena Blanco

FRANCIS BACON DICE ADIÓS A BILBAO (Almudena Blanco)

El Museo Guggenheim de Bilbao da la bienvenida al nuevo año despidiendo una de sus
exposiciones más potentes de los últimos tiempos. La muestra Francis Bacon: de Picasso a Velázquez, resulta ser una revisión extraordinaria de la obra del artista irlandés, Francis Bacon (Dublín 1909 – Madrid 1992), sustentada en la estrecha relación que siempre existió entre el pintor y nuestro país.

Su fascinación por Picasso, Velázquez y Madrid son elementos bien conocidos para todos
aquellos que amamos su obra. Y al menos en los dos primeros casos, la exposición que se cierra este próximo día 8 de enero en Bilbao logra poner este hecho de manifiesto. La muestra cuenta con unas cincuenta obras de Bacon a las que hay que unir una treintena de cuadros de otros artistas clásicos que influyeron en su devenir creativo. Bajo las salas cubiertas de titanio del más emblemático edificio de Bilbao, obras de Pablo Picasso, Georges Braque y el mismísimo Diego Velázquez nos invitan a reflexionar sobre la evolución y los fundamentos de Bacon.




Considerado uno de los artistas más revelantes y carismáticos del siglo XX, la exposición revisa toda su vida lo que nos permite intuir los momentos más amables y también los menos dulces en la existencia del creador. La década de los setenta se nos revela como la más colorista en la trayectoria de Bacon. Cuadros de fondo rosado, verde menta y azul turquesa nos invitan desde la sala dedicada a este periodo a respirar dulzura y coger aire para afrontar la magnificencia pero también la oscuridad que se evidencia en la mayor parte de la exposición. El sufrimiento, la autotortura existencial del individuo, la alusión a lo animal por encima de lo humano, la descripción sintética de los espacios y su recreación en lo visceral y profundo, son algunas de las principales señas de identidad de su producción artística, una producción artística prolífica y brillante.




En un ejercicio didáctico muy bien elaborado, la exposición planteada por el Museo Guggenheim muestra cómo el irlandés alcanza su madurez pictórica en la cuarentena y cómo desde entonces incide una y otra vez y sin descanso en la investigación de lo humano en movimiento. Sus figuras giradas en una acción retorcida y netamente presente en el instante, representan una vuelta de tuerca brillante a la multiperspectiva heredada del cubismo. Siempre ubicadas en habitaciones vacías, el pintor reflexiona sobre lo humano dentro de espacios someros, creados por el hombre y desprovistos de cualquier latido natural.

El irlandés estuvo casi obsesionado con la pintura del Papa Inocencio X de Velázquez. Llegó a efectuar hasta cincuenta versiones de esta obra, dos de las cuales están incluidas en la muestra.




Bacon, además de admirar a Velázquez por su implicación con la técnica pictórica, recoge los tintes sarcásticos y oscuros que desprenden las obras del genio sevillano menos cortesanamente correctas. Bajo los techos del Museo Guggenheim de Bilbao duerme desde el pasado 30 de septiembre la pintura de Don Sebastián de Mora (1645) de Velázquez, quien es retratado por el maestro andaluz con el respeto que se profesaría a un monarca a pesar de ser en realidad, y únicamente, el bufón de la corte real. Servicial, sometido, obligado, pero también libre en el espacio sin forma en el que Velázquez lo ubica, como Bacon hace con sus figuras, y desde el que nos dice con su mirada directa y profunda que él es, fundamentalmente y sobre todas las cosas, un hombre.

El museo está repleto estos días. Es difícil pasar de largo por delante de esta exposición cuando ya el olor a su final inunda los alrededores del edificio de Frank Gehry.